Teatro Oriental:
El teatro oriental en general (india, china, japón y sureste asiático) tiene ciertas características, común que lo distinguen claramente del teatro post renacentista occidental.
El teatro asiático es presentacional ya que la idea de representación naturalista es del todo extraña para ellos. Aunque varían según los diferentes países, en general, son obras de arte unificadas (teatro total Wagner) que mezclan literatura, danza, música y espectáculo.
La formación de los actores, por lo general tras un largo y arduo proceso, hace hincapié en la danza, en la expresión y agilidad corporal y en las habilidades vocales más que en la interpretación psicológica. Se empieza a aprender la carrera a los 6 o 7 años.
El vestuario y maquillaje son importantes y casi un arte en sí mismos, con todo tipo de colores e imágenes así como elementos que poseen un significado específico. El vestuario es muy costoso y elaborado y es propiedad del autor, no de la compañía. Los trajes pasan de padres a hijos.
La estilización se extiende al movimiento, las acciones de la vida diaria se convierten en una danza o gesto simbólico. No se busca que sea real, el público se imagina con los gestos lo que le pasa al actor.
Los decorados también son estilizados. Por ejemplo: el teatro Noh usa elementos arquitectónicos y escénicos con significado propio que no cambian de obra en obra.
La ópera de Pekín tiene una serie de convenciones establecidas: un largo viaje significa un paseo circular por el escenario; un actor que corre con cuatro trozos de tela significa el viento.
La teatralidad no se oculta en absoluto, las tramoyas están a la vista del público mientras se cambia el escenario y se producen los cambios de decorados.
Desde el punto de vista del público el teatro es participativo; aunque no toman parte en la representación el mero hecho de ir al teatro es una experiencia compartida.
Sus actitudes y expectativas difieren de las del espectador occidental. Es una fiesta para ellos.
Las representaciones son a menudo largas y los espectadores van y vienen, comen, hablan y quizá solo observan sus momentos favoritos de la obra. La solemnidad del espectador occidental se desconoce.
El teatro oriental fue conocido en occidente a finales del siglo XIX. Ejerció influencia sobre algunos simbolistas, August Strindberg, Vsiévolod Meyerhold, Max Reinhardt, Antonin Artaud, Eugenio Barba, Ana Pavlova, Bertold Brecht, Sergei Einssestein, Jean Louise Barrault, Peter Brook...
El teatro chino se empezó a desarrollar en el siglo XIV. Era muy literario y tenía convenciones muy estrictas. Desde el siglo XIX ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una especial importancia a la interpretación, canto y acrobacias más que al texto literario.
La Ópera de Pekín
Establecida a partir del siglo XVIII por la unión de las pantomimas de palacio y las danzas tradicionales.
El escenario es una plataforma desnuda con el mobiliario estrictamente necesario.
La imaginación es lo fundamental del espectáculo.
La escasa utillería es simbólica. Una mesa puede ser un trono, montaña, caverna o cama. Si un actor aparece con una vela en escena es de noche. Un general con estandartes representa a todo su ejército.
Las tramas son adaptadas de ejemplos de moral en la historia china y en la literatura clásica.
El canto y los movimientos (estilizados) se acompañan de instrumentos de cuerda, viento y percusión.
La percusión marca las escenas de lucha y acrobacia.
Actualmente se representan unas 400 obras muy pocas de ellas conocidas por el mundo occidental. Parece que la despreocupación de los traductores chinos se debe a la dificultad que supone dar al lector una idea de la belleza estética de esta forma de arte a través de un texto escrito.
Forma popular para todas las clases sociales contiene unas escalas musicales muy diferentes de las europeas configurando un espectáculo muy visual. El público conoce los argumentos de antemano y se centra en la interpretación de los actores.
Hacia el 610 a.c. Aparece el testimonio de un bufón de la corte, el sobrenombre YU en diversas combinaciones significa aún hoy “actor”. A los actores de ópera se les denomina aún hoy en día “los niños del jardín..... inacabado
El color del maquillaje y el vestido son el carné de presentación del personaje. (rojo es valor; barba roja es malvado; barba blanca es sabiduría; sin maquillaje significa que el personaje es débil; etc...)
Cuando los personajes aparecen en escena se presentan a sí mismos describiendo su nombre, condición social y tribulaciones.
Aparte de la escena hacia el público revelan sus puntos de vista y pensamientos.
Cada actor se especializa en un papel específico que es elegido para ellos cuando inician sus carreras basándose en sus atributos físicos. Y pasan la mayor parte de su niñez entrenando para ese papel particular.
Ningún personaje se expresa con su voz natural excepto el payaso.
La principal escuela privada enseña en ciclos de 7 años a niños de entre 8-15 años. Sus estudios incluyen esgrima, ballet y asignaturas ordinarias.
Existen cuatro tipos de papeles:
· primer actor (Sheng)
· primera actriz (dan)
· cara pintada (ing)
· cómico (chu)
cada uno de ellos se subdividen en distintas categorías, entre ellas:
· Guerreros (wu sheng)
· Intelectuales (mo)
· jóvenes (xiao sheng)
· viejos (lao shong)
Antes del siglo XX había dos compañías, formadas solo por hombres y solo por mujeres. Desde 1911 empiezan a representar ambos juntos en grupos mixtos. Nunca hubo una prohibición, pero sí épocas en que se consideró indecoroso que actuasen juntos hombres y mujeres.
Los pies vendados siguen como una habilidad que las actrices tienen que dominar.
El teatro permanente se desarrolló en china en las casas de té. La admisión es gratuita, el precio de las consumiciones incluía las actuaciones y de ahí se pagaban a los actores.
Su nombre en chino significa “escenario dorado” los primeros extranjeros por sus numerosas partes cantadas compararon esta forma artística con la ópera. Se denominaba “ópera capital” cuando esta fue trasladada “ópera nacional”. Alcanzó su cúspide durante la dinastía Ching.
Ha sido la forma de entretenimiento dramático principal. Ni siquiera el impacto del cine ha ensombrecido su brillo.
En la actualidad también las principales universidades tienen clubes de ópera y enseñan canto, de vez en cuando hacen representaciones.
En los últimos años la ópera china ha incorporado adaptaciones de clásicos occidentales como Macbeth o la Medea de Eurípides.
Por su arte teatral, aprendizaje de los actores, acrobacia, vestidos, cantantes y música es la favorita del público frente a otras variedades como la cantonesa o la de Taiwan.
La ópera taiwanesa es exclusiva en su origen y desarrollo. El idioma usado es el taiwanés, aunque se puede observar influencia de la ópera china del sur en el maquillaje, utillería, vestuario y gestos. Hoy las actuaciones de ópera taiwanesa incorporan elementos modernos de iluminación, efectos especiales y sonido.
Brecht incorporó el descubrimiento del teatro chino a su búsqueda del teatro épico a través de un actor especializado en papeles femeninos. Según Brecht es consciente en todo momento de que le observan, no se transforma en el personaje; lo muestra al público con una gesticulación muy precisa encontrada en los ensayos.
Es curioso que el actor chino Mei Long Fang en sus memorias diga que es esencial transformarse en el personaje. Gestus: representar la condición del personaje independientemente del texto.
El teatro Noh:
El teatro japonés es quizá el más complejo de Oriente. El Noh es un drama poético vivo en la actualidad en la forma acabada que alcanzó en Kioto en el siglo XV.
A pesar de surgir 100 años antes que Shakespeare, los mismos dramas son representados del mismo modo que entonces. Incluso algunos actores son descendientes de los que crearon este teatro hace 600 años.
Al igual que sucedió en la pintura, que se dividió en dos ramas, una para el pueblo y otra para la nobleza; el teatro también tvo dos vertientes: El lírico Noh que se preservó en su forma pura en los palacios y el teatro del pueblo: el Kabuki, que tendió hacia el realismo y la extravagancia en los teatros callejeros.
A pesar de la revolución de 1868 que provocó el cese de las representaciones, durante 3 años el Noh sobrevivió gracias al esfuerzo de los actores y al apoyo público por conservar la tradición.
Ha sido declarado obra maestra del Patrimonio oral e inmaterial de la Humanidad por la UNESCO año 2001.
En la actualidad hay de 60 a 70 funciones al mes en los alrededores de la capital; de 20 a 30 representaciones al mes en Osaka y Kioto y en todo el país sobre las 130 funciones al mes.
Existen unos 70 teatros especialmente diseñados para el Noh en las grandes ciudades. También se representa en jardines, templos, patios urbanos y rurales.
Hay piezas de un acto y de más de dos pero lo normal es que tengan dos actos.
Hay un protagonista que se llama “Site” que se transforma. En el primer acto se llama “Mae Site” y en el segundo “Nochi Site”.
Suelen representar lo esencial del espíritu humano. A veces pueden ser un espíritu animal o vegetal.
Por otro lado están los personajes humanos “Waki”, suelen ser bonzos errantes.
Las primeras palabras son las del “Waki” que se presenta a sí mismo: nombre, profesión, el lugar donde se encuentra, la razón de que esté allí y sus intenciones. Es una especie de diálogo porque se supone que contesta al auditorio.
Después aparece el “site” y con su canto expresa las circunstancias en que se encuentra y las emociones que siente. A continuación se inicia la conversación entre ellos.
Hay otros personajes bufonescos, los “Kyogengata” que añaden elementos cómicos. Los “AI” secundarios que añaden explicaciones o los “Ado” ayudantes que refuerzan los parlamentos de otros personajes.
En un sistema similar al del teatro griego el Noh tiene el Bangumi. En un día se representaban 5 piezas de Noh alternadas con piezas de Kyogen (farsas japonesas que parece proceden del teatro chino ruta de la Seda).
Actualmente suelen ser dos piezas de Noh y una de Kyogen.
Es un teatro de la imaginación, estilizado al máximo. Todo debe suceder en la mente del espectador a través de la palabra en lugar de estar todo representado en el escenario.
“El teatro como intento de hacer visible lo invisible” (Peter Brook).
La belleza y la fuerza del teatro Noh residen en su concentración. Todos los elementos (música, vestuario, movimiento, verso) se unen para producir una única impresión.
La emoción está fijada en una idea no en una personalidad: amistad, amor filial, lealtad al maestro, celos, cólera, maestría guerrera, vanidad, amor conyugar, etc...
El climax llega con la danza del héroe, por lo general al final del acto segundo. El coro canta su pasaje más sublime. El baile expresa el sentimiento de los personajes.
La música: tambores y flauta (hisigui) de sonido peculiar.
El silencio también va a ser fundamental en el Noh.
La máscara también es un elemento importante, para las 200 piezas existentes se necesitan 300 máscaras. Según la inclinación con que la coloque el actor puede expresar docenas de cambios de emoción. Espíritus, mujeres y ancianos van enmascarados.
El vestuario es menos individualizado en su tratamiento. Los más lujosos son los de héroes, sobre todo los espectros con brocado en oro y tejido de seda suave o tapicería china. Son muy costosos pero hay que tener en cuenta que se utilizan durante generaciones. Son patrimonio de las escuelas y clanes.
El abanico también tiene una gran variedad. Sirve como accesorio imaginario, que representa desde un vaso a un papel, plumas, dagas y docenas de diferentes objetos que el público debe imaginar.
Zeami Motokiyo o Anze Motokiyo (1363-1443) es el autor más importante. Es el equivalente en teatro japonés a Aristóteles más Shakespeare. Definió el arte y escribió más de 10 obras “unidad de imagen”. Hijo de un conocido actor actuó para el Shogún de la zona cuando tenía 8 años y le impresionó tanto que se convirtió el mecerias de la compañía. Gracias a este recibió una esmerada educación que le permitió desarrollar su talento como escritor.
Los actores de Noh no hacen nunca ensayos a la manera del teatro convencional. Todos tienen una vida dedicada desde niños a la práctica (mental y fisica) de su arte. Se basa en la captación de las enseñanzas de sus maestros. No tienen reglas fijas para moverse (utilizan el Kata) pero buscan la libertad de expresión. Ni siquiera la música es ensayada se basa en la improvisación y tiene que armonizar con la actuación y el baile de los personajes.
Jean Louise Barrault: “La quietud del Noh vive”. A pesar de expresar a través de movimientos mínimos el actor pierde varios kilos en cada representación pues concentra su fuerza vital. Buscan su respiración, algo que los maestros consideran espiritual no técnico. No siguen métodos preestablecidos
El ser tradicionalmente un arte de la clase reinante hace que muchos japoneses lo consideren difícil y refinado. El Teatro Nacional de Noh se crea en 1983 para popularizarlo. Las “takisi Noh”: funciones al aire libre por la noche que se iluminan con antorchas son muy populares desde los años 90.
Forma popular de teatro japonés creada en 1568 por Okuni, una sacerdotisa que daba espectáculos de danza con su grupo femenino en Kioto. Este kabuki primitivo vulgarizaba el Noh y por su naturaleza erótica y prostitución asociada en 1628 prohíben la aparición de mujeres sobre el escenario
Los papeles femeninos fueron encomendados a niños o jóvenes, pero también se les prohíbe aparecer en escena por razones similares. En 1664 en Osaka se desarrolla un tipo más refinado de Kabuki en el que actuaban hombres maduros. Retrato femenino estilizado para la escena “Onnagata”.
El Kabuki siempre ha descansado sobre el arte del actor, se apoya en sus interpretaciones de alta exaltación. Poseen grandes voces. Estilo de interpretación desde la frágil sensualidad los papeles femeninos a la exhibición de poder de los papeles masculinos. El momento de máxima intensidad emocional se expresa con una imagen congelada “Mie”.
Las grandes obras de kabuki fueron escritas en el siglo XVII por Chikamatsu Monzaemon (Sugimori Nobumori 1653-1725). Algunas de sus obras más populares representan el suicidio de los amantes. Los dramaturgos no eran apreciados por los actores más preocupados por la interpretación y el lucimiento personal.
Si había pocas demostraciones de talento cambiaban escenas enteras. Chikamatsu se desesperó al ver sus obras de formadas y se dedicó a escribir teatro de marionetas (Joruri antecesor del Bunraku) Tiene 110 obras de joruri y 30 de kabuki).
Los actores de kabuki durante el período Edo eran el nivel más bajo de la sociedad (equivalentes a mendigos) pero muy populares entre la gente. El actor se especializa en un papel. Estilos básicos de actuación: Aragoto, Wagoto y Onaggata gei.
Tachiyaku actor principal. Onnagata: hombres especializados en papeles femeninos. (en la actualidad algunos onnagata hacen ocasionalmente papeles masculinos). Fuke Oyama ancianas. Wakiyaku actor secundario. Nagauta música.
El kabuki es un espectáculo suntuoso. Los actores llevan un vestuario extravagante, un maquillaje estilizado y enormes pelucas. El maquillaje es una máscara en sí. Otra forma de belleza visual está en el cambio rápido de traje “hikinuki” varios trajes superpuestos unidos por cuerdas que se quitan en escena con ayuda de un asistente.
“Hanamichi”: camino, pasarela de las flores. Se sitúa entre las sillas del público (antes tatami aunque pocos lo conservan) lado izquierdo del escenario mide 1,7m. (conexión con el público. El escenario giratorio impresionó a Max Reinhardt y Vsiévolod Meyerhold quienes lo introdujeron en el teatro occidental.
También utilizan cortinas (no usadas en Noh). Al principio solo se utilizaban en teatros de baja categoría y sin licencia del gobierno. Teatro “docho” y actores “docho” tenían un carácter peyorativo. Franjas de colores negro, verde oscuro y vino tinto aún asociado en el teatro kabuki.
El año 2003 el kabuki celebró su cuarto centenario con numerosos eventos. El Teatro Nacional fundado en 1966 trata de preservar las artes escénicas tradicionales. Un factor esencial es la transmisión generacional (“ie” familia) “Oi-ie-gie” Arte familiar.
Para saber más: www.japonartesescenicas.org/teatro.html
